La crítica de una obra artística es un proceso reflexivo, analítico y, a menudo, subjetivo que busca interpretar, valorar y contextualizar una creación artística. Esta práctica no solo se basa en el gusto personal, sino que implica conocimientos técnicos, estéticos, históricos y culturales.
1. Observación y contemplación inicial
Antes de emitir cualquier juicio, el primer paso es observar detenidamente la obra. Este momento requiere apertura, sensibilidad y atención. El crítico debe dejar que la obra le hable sin prejuicios. En esta fase se trata de percibir:
- El impacto visual o sensorial que genera.
- Las emociones que provoca.
- La atmósfera general de la pieza.
Este primer contacto puede revelar mucho sobre la intención del artista y sobre cómo se recibe la obra a un nivel emocional y estético.
2. Descripción objetiva
Una buena crítica parte de una descripción objetiva de la obra. Aquí se responde a las preguntas básicas:
- ¿Qué estoy viendo (o escuchando, leyendo, etc.)?
- ¿Cuál es el formato, la técnica, los materiales?
- ¿Qué elementos destacan?
En el caso de una pintura, por ejemplo, se puede describir:
- El tipo de obra (óleo sobre lienzo, acrílico, técnica mixta, etc.)
- Dimensiones y formato.
- Paleta de colores.
- Elementos figurativos o abstractos.
- Composición y perspectiva.
Esta descripción no debe incluir valoraciones ni interpretaciones; su función es situar al lector o espectador en la obra misma.
3. Análisis formal
Luego se examinan los elementos formales que componen la obra, según el lenguaje específico de la disciplina artística:
En artes visuales:
- Línea: ¿Cómo se utilizan? ¿Son duras, suaves, dinámicas?
- Color: ¿Qué gama cromática se usa? ¿Qué simbolismo puede tener?
- Forma: ¿Las figuras son geométricas, orgánicas, reconocibles?
- Composición: ¿Cómo se organiza el espacio dentro de la obra?
- Textura: ¿Qué sensación produce la superficie?
- Luz y sombra: ¿Cómo afectan la atmósfera?
En música:
- Tonalidad, ritmo, armonía, timbre, dinámica, forma musical.
En literatura:
- Uso del lenguaje, estilo, estructura narrativa, tono, voz narrativa.
Cada elemento se analiza en función de su contribución al todo.
4. Interpretación
En esta fase se intenta dar sentido a la obra. La crítica aquí se vuelve más subjetiva y creativa. Algunas preguntas útiles son:
- ¿Qué mensaje o tema propone la obra?
- ¿Qué símbolos o metáforas se pueden identificar?
- ¿Qué emociones o ideas transmite?
- ¿Cómo se relaciona con el contexto social, político, histórico o cultural?
La interpretación puede variar según la formación del crítico, su sensibilidad, o incluso su ideología. Aquí también puede explorarse la intención del artista (si se conoce) y cómo se refleja en la obra.
5. Contextualización
Una obra no existe en el vacío. Por ello, es clave ubicarla dentro de un contexto:
- Biográfico: ¿Qué sabemos del autor? ¿Hay elementos personales reflejados?
- Histórico: ¿En qué época fue creada la obra? ¿Qué acontecimientos influyeron?
- Estético: ¿Pertenece a un movimiento artístico (impresionismo, modernismo, arte contemporáneo)? ¿Rompe con alguna tradición?
- Cultural o social: ¿Qué problemáticas aborda? ¿Cómo se relaciona con su entorno social?
La contextualización enriquece la comprensión del significado y el valor de la obra.
6. Valoración crítica
Finalmente, llega el momento de emitir un juicio, el cual debe ser fundamentado. Esta valoración puede incluir:
- Originalidad: ¿Es innovadora o repetitiva?
- Dominio técnico: ¿Hay habilidad en el uso de los recursos?
- Coherencia interna: ¿La obra tiene una lógica estética propia?
- Impacto emocional o intelectual: ¿Produce un efecto perdurable?
- Aportación al arte: ¿Contribuye al desarrollo de su disciplina?
Es importante evitar juicios meramente subjetivos como “me gusta” o “no me gusta”, a menos que estén acompañados de argumentos sólidos.
7. Lenguaje y estilo del crítico
La crítica es también un género literario o discursivo. Por ello, debe cuidarse el estilo, la claridad, la precisión terminológica y el rigor argumentativo. Un buen crítico logra transmitir sus ideas de manera accesible, pero profunda, generando reflexión y diálogo.
Criticar una obra artística implica más que juzgarla; es un acto de interpretación, valoración y diálogo. Requiere sensibilidad, conocimiento y apertura. Las etapas básicas que conforman una crítica son:
- Observación y contemplación.
- Descripción objetiva.
- Análisis formal.
- Interpretación.
- Contextualización.
- Valoración crítica.
- Cuidado del lenguaje crítico.
Una buena crítica no solo enjuicia, sino que ilumina la obra, enriquece la experiencia del espectador y, muchas veces, revela aspectos que pasan desapercibidos a simple vista.
Las obras de arte pueden tener diferentes propósitos y significados, dependiendo de la intención del artista y del contexto cultural en el que se inserten. A lo largo de la historia, el concepto de lo que constituye una “obra de arte” ha evolucionado y ha sido objeto de debate. Algunos aspectos clave que suelen considerarse son la creatividad, la originalidad, la técnica y la capacidad de comunicar algo único o profundo.
A lo largo de la historia se han creado incontables obras de arte que trascienden las épocas y se instauran como un referente del pensamiento, la creatividad y la sensibilidad humana. Vamos a repasar algunas de ellas.
Vincent Van Gogh
La noche estrellada (1889)
En el MoMA en Nueva York, se encuentra esta obra de arte que representa la vista desde la ventana de la habitación del pintor durante su estancia en un asilo psiquiátrico. La noche era una preocupación constante para el artista que le escribió a su hermana: “A menudo, me parece que la noche tiene aún más colores que el día”. La pintura se ha convertido en uno de los emblemas del movimiento impresionista.
Leonardo da Vinci
La Mona Lisa (1503-1506, 1513-1516)
Considerada una de las grandes joyas del museo Louvre, en París, y una de las obras de arte más misteriosas del mundo. La técnica con la que fue pintada ha sido estudiada en múltiples ocasiones por los efectos ópticos en los ojos y su sonrisa vacilante. Además, ha sido sujeta a grandes polémicas, como su rapto a principios del siglo XX.
Diego Rivera
Sueño de una tarde en la alameda central (1947)
Este mural de Diego Rivera se ubica actualmente en el Museo Diego Rivera, aunque originalmente se encontraba en el Hotel El Prado. En esta obra Diego Rivera se retrata a sí mismo como niño mientras pasea por la Alameda Central de la Ciudad de México, uno de los sitios más emblemáticos de la capital mexicana. Al muralista lo acompañan más de una centena de personajes fundamentales de la historia mexicana.
Destaca en el centro una Catrina o Calavera garbancera, creación del caricaturista José Guadalupe Posada, quien aparece a la derecha del mural. A la izquierda, al lado de la Catrina, aparece Frida Kahlo.
Pablo Picasso
Guernica (1937)
Creado en respuesta al bombardeo de la pequeña ciudad vasca (Guernica) por la aviación alemana e italiana. En la década de 1940 con la instauración de la dictadura militar del general Franco, Picasso pidió que el cuadro fuese custodiado por el MoMA en Nueva York, con la condición de que fuera devuelto a España cuando volviese al país la democracia, lo cual ocurrió en 1981 donde se expuso al público primero en el casón del Buen Retiro, y desde 1992, se encuentra en el Museo Reina Sofía de Madrid.
Claude Monet
Nenúfares (1915-1926)
Es una serie de pinturas de aproximadamente 250 obras, con representaciones del Jardín de Giverny, donde se instaló Monet con su familia en 1890. Los cuadros intentan capturar la belleza de la naturaleza y sus sutiles cambios. Cada uno debían quedar suspendidos (dentro de una estancia circular) para que crean el efecto del transcurso de un día o el de las cuatro estaciones. En el Museo de la Orangerie en París, se encuentran colocados de esta manera, pero alrededor del mundo varios museos lo incluyeron en sus colecciones.
José Clemente Orozco
Omnisciencia (1925)
Este mural se encuentra en la Casa de los Azulejos, en la CDMX. Es una de las piezas más representativas de Orozco, y, al igual que otras de sus obras, se caracteriza por su estilo expresionista y por el tratamiento simbólico de los temas que aborda. La obra es una reflexión profunda sobre la ciencia, la sabiduría humana, y las consecuencias de estos avances en la sociedad. La mujer está puesta al centro de la obra, haciéndola resaltar como dadora de conocimiento, el mayor de todos: la vida.
José Guadalupe Posada
La Catrina (1910 – 1912)
La Catrina es una de las obras más icónicas del artista mexicano José Guadalupe Posada. Esta figura, también conocida como “La Calavera Garbancera”, fue creada por Posada alrededor de 1913, aunque otras fuentes dicen que pudo haber sido entre 1910 y 1912. Este grabado se ha convertido en un símbolo fundamental de la cultura mexicana, especialmente en el contexto de la celebración del Día de Muertos. Las catrinas que Posada dibujó a lo largo de su carrera, eran una burla de las personas de la clase alta durante la época del Porfiriato, con atuendos extravagantes.
Remedios Varo
Naturaleza muerta resucitando (1963)
Esta fue la última obra que pintó Remedios Varo antes de morir, en 1963. En este cuadro todo gira en torno a una vela en el centro de una mesa. Alrededor de ella, orbitan platos y frutas, así como los planetas giran en torno al sol. La pintura se exhibe también en el Museo de Arte Moderno, en la Ciudad de México.
Salvador Dalí
La persistencia de la memoria (1931)
La persistencia de la memoria es una de las obras más famosas del pintor surrealista español Salvador Dalí, y es conocida por sus relojes derretidos y su peculiar representación del tiempo. La pintura es de tamaño relativamente pequeño, con unas dimensiones de 24 cm x 33 cm y se inspira en varios conceptos filosóficos y científicos de la época. Dalí estaba profundamente influenciado por la teoría de la relatividad de Albert Einstein, que desafió las nociones clásicas del tiempo y el espacio. Esta obra refleja esa idea de que el tiempo no es constante, sino relativo y flexible.
Frida Kahlo
Dos Fridas (1939)
Este autorretrato doble de la artista, es uno de los cuadros más famosos por la pintora mexicana. La imagen duplicada demuestra la dualidad de Frida al ser una imagen duplicada de sí misma a manera de espejo. Tomada de la mano, pero con diferente vestimenta, ambas figuras se encuentran sentadas sobre un banco verde tejido y estar conectadas por una vena a corazón abierto. Esta obra de arte puede admirarse en el Museo de Arte Moderno, en la Ciudad de México.
David Alfaro Siqueiros
El Coronelazo (Autorretrato) (1945)
La vida del muralista mexicano estuvo plagada de excentricidades. Por ejemplo, una de ellas fue cuando, en 1937, viajó a España para combatir en la Guerra Civil, como Teniente Coronel de las brigadas 46 y 47 del octavo ejército republicano que luchaba encarnizadamente contra el fascismo. Fruto de esta aventura es su icónico autorretrato llamado El Coronelazo, que busca decir que el fin último del hombre es la búsqueda de la libertad política.
Rufino Tamayo
Dualidad (1964)
Dualidad es una creación que nació como un encargo para la inauguración del Museo Nacional de Antropología en 1964. Tamayo retomó la dualidad prehispánica que da orden y sentido al Universo, y para ello se inspiró en el mito cosmogónico que enfrenta a Quetzalcóatl (representado como una serpiente emplumada) y Tezcatlipoca (un jaguar). En este mural, el artista oaxaqueño sintetizó el pensamiento prehispánico en una interpretación moderna que se alineó con el discurso oficial de la recuperación de las raíces nacionales durante la década de los 60.
Leonora Carrington
Laberinto (1991)
Carrington fue una de las artistas que más destacó en el siglo XX. Además de su obra pictórica, también encontramos escultura, grabado, vestuario, cuento, novela y obras de teatro, casi todo ello enmarcado en el surrealismo. En Laberinto, la artista de origen inglés explora una de las constantes de su obra: los mundos oníricos, las criaturas fantásticas y las atmósferas enrarecidas.
Francisco de Goya
El aquelarre (1789 – 1798)
Esta obra es parte de una serie de pinturas conocidas como las “pinturas negras”, que Goya pintó directamente sobre las paredes de su casa, la Quinta del Sordo, en Madrid. El Aquelarre representa una escena oscura y perturbadora relacionada con la brujería. En la pintura, se muestra a un grupo de brujas en un ritual alrededor de un gran macho cabrío (que representa al diablo), mientras una figura humana, probablemente una joven, está siendo ofrecida como sacrificio. La pintura tiene un tono sombrío, usando colores oscuros y un contraste dramático de luces y sombras. El estilo de Goya en esta serie es más expresionista y angustiante, mostrando la influencia de las tensiones políticas y sociales de la España del momento.
Miguel Ángel
La creación de Adán (1508-1512)
En la parte central de la bóveda del techo de la Capilla Sixtina, en la Ciudad del Vaticano, se encuentra esta obra de arte que es fundamental para la fe católica. Aunque existe una teoría de que Miguel Ángel habría pintado alrededor de la figura de Dios un bosquejo anatómico del cerebro humano. Esta no sería la primera vez que el artista coloca discretamente su conocimiento científico en sus obras.
Sandro Botticelli
El nacimiento de Venus (1484-1485)
Esta pintura es mítica, tanto por la historia detrás como por su proceso creativo. El cuadro fue pintado de acuerdo con el método de témpera, que a pesar de los siglos que nos separan de su creación conserva su belleza. Su delicadeza es tal, que a primera vista pocos notan la desproporción del cuello de la diosa emergiendo en el mar. Para admirar esta obra de arte a detalle, la puedes disfrutar en la Galería de los Uffizi en Florencia.
Diego Velázquez
Las meninas o La familia de Felipe IV (1656)
Es una de las obras de arte más analizadas en el mundo del arte. La obra gira en torno a la infanta Margarita de Austria, rodeada por sus sirvientes, las meninas, aunque la pintura representa también otros personajes como el rey Felipe IV y su esposa Mariana de Austria. Lo interesante del cuadro es que está pintado a modo de reflejo y en ella, se descubren muchos detalles que no se aprecian a primera vista, por lo que puedes descubrirlas en el Museo del Prado de Madrid.
Johannes Vermeer
La joven de la perla (1665)
Considerada la Mona Lisa del norte de Europa, esta pintura ha sido uno de los grandes misterios del mundo del arte. La posición del retrato y el pendiente de perla que destaca en su vestimenta. La obra ubicada en el Museo Mauritshuis, en los Países Bajos, se pudo quedar en el olvido si no hubiera sido comprada a principios del siglo XX, en una subasta por solo unos pocos florines.
Gustav Klimt
El beso (1908-1909)
Este cuadro es quizás el himno más hermoso para el amor de la historia. Esto le valió ser comprado incluso antes de ser completado por el Palacio Belvedere, por un precio faraónico en ese momento, incluso si es mínimo en comparación con el valor actual. La obra tiene un efecto singular por la pintura dorada que se empleó y crea un reflejo único en el resto de los colores. Déjate atrapar por su belleza en la Galería del Palacio de Belvedere Österreichische, en Austria.
