INTRODUCCIÓN
La ilustración para el diseño gráfico es una disciplina que combina la capacidad de representar visualmente ideas con los principios de comunicación propios del diseño. Su finalidad no consiste únicamente en “dibujar bien”, sino en construir imágenes capaces de comunicar conceptos, emociones, información, narrativas o mensajes específicos.
Dentro del diseño gráfico, la ilustración puede utilizarse para resolver necesidades muy diversas: crear la imagen de una marca, desarrollar una portada editorial, acompañar un artículo, diseñar un cartel, producir personajes, elaborar una infografía, desarrollar empaques, crear material publicitario o generar contenidos para medios digitales.
A diferencia del dibujo realizado exclusivamente con una finalidad artística o expresiva, la ilustración aplicada al diseño parte normalmente de un problema de comunicación. El diseñador debe preguntarse qué quiere comunicar, quién recibirá el mensaje, dónde aparecerá la imagen, qué características tendrá el medio y qué recursos gráficos permitirán transmitir la idea con mayor eficacia.
Por esta razón, antes de estudiar estilos de ilustración o técnicas avanzadas, es indispensable conocer los materiales, sustratos, formatos e instrumentos de trazo, así como aprender a reconocer los elementos visuales básicos que constituyen cualquier imagen.
Una ilustración puede comenzar con un boceto muy sencillo realizado con lápiz y terminar como una composición digital compleja. Sin embargo, en ambos casos intervienen los mismos principios fundamentales: punto, línea, forma, color, textura, espacio, escala, proporción, contraste y composición.
Por ello, esta primera unidad busca desarrollar una comprensión práctica de los recursos con los que trabaja el ilustrador y establecer las bases para que posteriormente el estudiante pueda experimentar con diferentes técnicas.
1.1 Materiales
Los materiales son los recursos físicos o digitales que permiten construir una ilustración. La elección de estos depende de factores como la técnica, el resultado visual buscado, el sustrato, el formato, el tiempo disponible y el destino final de la ilustración.
En ilustración para diseño gráfico podemos distinguir entre materiales tradicionales y materiales digitales.
Materiales tradicionales
Los materiales tradicionales son aquellos que permiten producir la imagen directamente sobre un soporte físico.
Entre los más utilizados se encuentran:
- Lápices de grafito.
- Lápices de color.
- Carboncillo.
- Conté.
- Pasteles.
- Crayones.
- Tinta.
- Plumillas.
- Rotuladores.
- Marcadores.
- Acuarelas.
- Gouache.
- Acrílicos.
- Óleo.
- Collage.
- Papeles especiales.
- Pinturas y pigmentos.
Cada material posee características visuales particulares.
Lápiz de grafito
El lápiz de grafito es uno de los instrumentos fundamentales para comenzar a estudiar ilustración. Permite realizar bocetos, estudios de proporción, construcción de formas, ejercicios de volumen y dibujos terminados.
Los lápices se clasifican generalmente mediante letras y números:
- H: lápices duros.
- B: lápices blandos.
- HB: dureza intermedia.
- 2B, 4B, 6B, 8B: progresivamente más suaves y oscuros.
Un lápiz H resulta útil para líneas ligeras y construcciones iniciales, mientras que un 6B permite obtener negros intensos y sombras profundas.
Ejemplo
Para dibujar una esfera se puede comenzar con un 2H para construir el círculo y posteriormente utilizar un 2B o 4B para establecer las sombras. Finalmente, un 6B puede utilizarse en las zonas de mayor oscuridad.
De esta manera, un solo objeto puede adquirir sensación de volumen mediante la combinación de diferentes valores tonales.
Lápices de color
Los lápices de color permiten construir ilustraciones mediante capas sucesivas de pigmento. Son particularmente útiles para estudiar:
- Mezcla óptica.
- Saturación.
- Temperatura del color.
- Gradaciones.
- Texturas.
- Detalles.
- Representación de materiales.
Una característica importante de los lápices de color es que permiten trabajar desde trazos muy controlados hasta superficies con apariencia pictórica.
Ejemplo aplicado al diseño gráfico
Un diseñador puede utilizar lápices de color para desarrollar inicialmente la ilustración de un empaque de productos artesanales. El dibujo puede posteriormente digitalizarse mediante un escáner y convertirse en parte del diseño final.
Tinta
La tinta permite desarrollar ilustraciones caracterizadas por líneas definidas, contrastes fuertes y diferentes posibilidades de textura.
Puede utilizarse mediante:
- Plumilla.
- Pincel.
- Rotulador.
- Estilógrafo.
- Pinceles recargables.
- Técnicas de aguada.
La tinta es especialmente útil para ilustraciones editoriales, cómic, cartel, novela gráfica y proyectos que requieren una estética gráfica definida.
Una técnica importante es el tramado, que consiste en construir diferentes valores mediante líneas.
Por ejemplo:
/////// Zona clara
///////// Zona media
/////////// Zona oscura
///////////// Negro intensoLa distancia, dirección y concentración de las líneas permiten producir la sensación de volumen.
Acuarela
La acuarela utiliza pigmentos transparentes mezclados con agua. Es reconocida por sus transparencias, mezclas suaves y espontaneidad.
Es apropiada para:
- Ilustración editorial.
- Libros infantiles.
- Ilustración botánica.
- Paisajes.
- Concept art.
- Carteles.
- Ilustración publicitaria.
Una característica fundamental de la acuarela es que generalmente se trabaja del claro al oscuro, aprovechando el blanco del papel para las zonas luminosas.
Ejemplo
Para ilustrar una taza de café:
- Se realiza el dibujo estructural.
- Se aplica una capa clara.
- Se agregan gradualmente sombras.
- Se intensifican los tonos oscuros.
- Se incorporan detalles.
- Se dejan zonas de papel sin pintar para representar reflejos.
Gouache
El gouache o témpera es similar a la acuarela, pero posee mayor opacidad. Esto permite trabajar tanto con fondos claros como oscuros.
Su apariencia puede ser:
- Plana.
- Mate.
- Gráfica.
- Pictórica.
- Saturada.
Por estas características es muy utilizado en ilustración editorial, carteles, libros y concept art.
Marcadores y rotuladores
Los marcadores permiten realizar ilustraciones rápidas con colores intensos y uniformes.
Existen marcadores:
- Base agua.
- Base alcohol.
- Punta fina.
- Punta gruesa.
- Punta pincel.
- Punta biselada.
Son especialmente útiles para ejercicios de representación, bocetaje y conceptualización.
Un estudiante de diseño puede utilizar marcadores para desarrollar rápidamente una propuesta de personaje para una campaña publicitaria.
Materiales para collage
La ilustración no necesariamente debe producirse mediante dibujo.
El collage utiliza diferentes materiales para construir una imagen:
- Fotografías.
- Recortes.
- Papeles.
- Tipografía.
- Textiles.
- Cartón.
- Objetos.
- Materiales reciclados.
Por ejemplo, una ilustración sobre el medio ambiente podría construirse utilizando recortes de revistas, papel reciclado y fotografías de naturaleza.
Materiales digitales
Actualmente una gran parte de la ilustración para diseño gráfico se produce mediante herramientas digitales.
Entre los recursos más comunes encontramos:
- Computadora.
- Tableta gráfica.
- Pantalla digitalizadora.
- Stylus.
- Escáner.
- Cámara fotográfica.
- Software de ilustración.
- Software de edición de imágenes.
Programas como Adobe Illustrator, Adobe Photoshop, Procreate, Clip Studio Paint, Affinity Designer y otras herramientas permiten desarrollar diferentes tipos de ilustración.
La ilustración digital puede clasificarse de manera general en:
Ilustración vectorial
Se construye mediante formas, curvas y objetos matemáticos.
Sus principales ventajas son:
- Escalabilidad.
- Precisión.
- Edición sencilla.
- Colores uniformes.
- Adaptabilidad a diferentes formatos.
Es particularmente útil para:
- Logotipos.
- Iconos.
- Personajes.
- Infografías.
- Ilustraciones publicitarias.
- Packaging.
Ilustración rasterizada
Se construye mediante píxeles.
Es adecuada para:
- Pintura digital.
- Texturas.
- Fotomontajes.
- Ilustraciones realistas.
- Concept art.
- Manipulación de imágenes.
1.2 Sustratos y formatos
El sustrato es la superficie sobre la cual se realiza una ilustración.
La elección del sustrato es importante porque puede modificar considerablemente el resultado visual.
No produce el mismo resultado dibujar con lápiz sobre:
- Papel bond.
- Papel couché.
- Papel acuarela.
- Papel kraft.
- Cartulina.
- Cartón.
- Tela.
Cada superficie posee diferentes características de absorción, textura, resistencia y color.
Papel
El papel es probablemente el sustrato más utilizado durante las primeras etapas de aprendizaje.
Papel bond
Es económico y fácil de conseguir.
Resulta apropiado para:
- Bocetos.
- Ejercicios.
- Estudios rápidos.
- Construcciones geométricas.
- Prácticas de línea.
No es necesariamente el mejor soporte para técnicas que utilizan grandes cantidades de agua.
Papel opalina
Tiene una superficie más firme y uniforme.
Es útil para:
- Ilustraciones con tinta.
- Marcadores.
- Presentaciones.
- Láminas.
- Bocetos finales.
Papel para acuarela
Está diseñado para soportar humedad.
Puede encontrarse con diferentes texturas:
- Grano fino.
- Grano medio.
- Grano grueso.
La textura afecta la apariencia de las pinceladas y la distribución del pigmento.
Papel kraft
Su color marrón característico puede utilizarse como parte de la composición.
Por ejemplo, una ilustración de estética artesanal puede utilizar el color del kraft como tono base, dejando determinadas áreas sin cubrir.
Otros sustratos
La ilustración también puede realizarse sobre:
- Cartón.
- Madera.
- Tela.
- Acrílico.
- Metal.
- Vidrio.
- Cerámica.
- Paredes.
- Muros.
- Objetos tridimensionales.
Esto amplía considerablemente el campo profesional del ilustrador.
Un mismo dibujo puede funcionar sobre una hoja de papel, pero requerir modificaciones si se aplica sobre una camiseta o una pared.
Formatos
El formato se refiere principalmente a las dimensiones y proporciones del espacio donde se desarrolla la ilustración.
Puede ser:
- Vertical.
- Horizontal.
- Cuadrado.
- Panorámico.
- Circular.
- Irregular.
La elección del formato depende del propósito.
Formato vertical
Es común en:
- Carteles.
- Portadas.
- Revistas.
- Libros.
- Historias para redes sociales.
Formato horizontal
Es frecuente en:
- Banners.
- Presentaciones.
- Sitios web.
- Ilustración editorial.
- Cabeceras.
Formato cuadrado
Es muy utilizado en:
- Publicaciones para redes sociales.
- Portadas digitales.
- Iconografía.
- Material promocional.
Formato y composición
El formato no debe considerarse simplemente como un espacio vacío.
Desde el momento en que el diseñador selecciona las dimensiones de una pieza, está condicionando la composición.
Por ejemplo, una ilustración de una persona caminando puede producir sensaciones diferentes dependiendo del espacio disponible.
En un formato horizontal puede existir mucho espacio delante del personaje, creando una sensación de dirección y movimiento.
En un formato vertical, el mismo personaje puede adquirir una sensación más monumental.
Esto demuestra que formato y composición están directamente relacionados.
1.3 Instrumentos de trazo
Los instrumentos de trazo permiten generar las marcas visuales que constituyen una ilustración.
El concepto de trazo es fundamental porque una línea no solamente sirve para representar contornos; también puede expresar:
- Movimiento.
- Peso.
- Dirección.
- Textura.
- Emoción.
- Velocidad.
- Profundidad.
- Volumen.
Lápiz
El lápiz es uno de los principales instrumentos para comenzar a estudiar el trazo.
Permite modificar:
- Presión.
- Grosor.
- Dirección.
- Velocidad.
- Intensidad.
Un trazo realizado con poca presión será generalmente más claro, mientras que un trazo realizado con mayor presión será más oscuro.
Plumas y estilógrafos
Los estilógrafos permiten obtener líneas de grosor relativamente constante.
Son especialmente útiles para:
- Dibujo técnico.
- Ilustración lineal.
- Arquitectura.
- Infografía.
- Cómic.
- Bocetaje.
Una estrategia común consiste en utilizar diferentes grosores para crear jerarquía.
Por ejemplo:
0.1 mm: detalles pequeños.
0.3 mm: líneas secundarias.
0.5 mm: contornos principales.
0.8 mm: elementos de gran peso visual.
Pincel
El pincel permite una enorme variedad de trazos.
Dependiendo de la presión y movimiento, puede producir:
- Líneas delgadas.
- Líneas gruesas.
- Manchas.
- Texturas.
- Transiciones.
- Pinceladas expresivas.
Esto explica por qué la tinta aplicada con pincel puede producir una apariencia mucho más orgánica que un estilógrafo.
Instrumentos de trazo digital
En la ilustración digital, el stylus o lápiz digital permite controlar variables como:
- Presión.
- Inclinación.
- Velocidad.
- Opacidad.
- Tamaño.
- Flujo.
El diseñador puede simular digitalmente herramientas tradicionales.
Por ejemplo, puede utilizar un pincel digital que imite:
- Grafito.
- Carbón.
- Acuarela.
- Óleo.
- Tinta.
- Acrílico.
- Pastel.
Ejercicio de exploración de trazos
Una actividad inicial recomendable para la materia consiste en crear una biblioteca personal de trazos.
El estudiante puede dividir una hoja en diferentes secciones y realizar:
Ejercicio A: presión
Realizar líneas:
ligeras → medias → fuertes
Ejercicio B: velocidad
Realizar:
líneas lentas → líneas rápidas
Ejercicio C: dirección
Explorar:
- Horizontales.
- Verticales.
- Diagonales.
- Curvas.
- Espirales.
- Onduladas.
Ejercicio D: textura
Crear superficies mediante:
- Puntos.
- Rayas.
- Cruces.
- Garabatos.
- Líneas paralelas.
- Líneas curvas.
El objetivo no es producir una ilustración terminada, sino comprender las posibilidades expresivas del instrumento.
1.4 Identificación de los elementos visuales
Nota: En el temario proporcionado aparece nuevamente “1.2 Identificación…”. Para mantener una secuencia lógica, aquí se desarrolla como 1.4 Identificación de los elementos visuales.
Los elementos visuales constituyen el lenguaje básico de la ilustración y del diseño gráfico.
Antes de aprender técnicas complejas, el estudiante debe ser capaz de identificar los componentes que forman una imagen.
Los principales son:
- Punto.
- Línea.
- Forma.
- Figura.
- Color.
- Textura.
- Espacio.
- Tamaño.
- Escala.
- Proporción.
- Valor o tono.
- Dirección.
El punto
El punto es el elemento visual más básico.
Puede parecer insignificante, pero tiene una enorme capacidad compositiva.
Un punto puede:
- Indicar una posición.
- Llamar la atención.
- Crear ritmo.
- Generar textura.
- Formar patrones.
- Representar distancia.
Cuando varios puntos se organizan pueden crear formas reconocibles.
Por ejemplo:
• • • • •
• • • •
• • •
• •El ojo humano puede interpretar esta organización como una estructura o figura.
Ejemplo en diseño gráfico
Una ilustración puede construirse exclusivamente mediante puntos de diferentes tamaños.
Esta técnica puede utilizarse para crear retratos, paisajes o ilustraciones abstractas.
La línea
La línea surge cuando un punto se desplaza.
Puede ser:
- Recta.
- Curva.
- Quebrada.
- Horizontal.
- Vertical.
- Diagonal.
- Continua.
- Discontinua.
- Gruesa.
- Delgada.
La línea posee una fuerte capacidad expresiva.
Una línea horizontal puede transmitir:
estabilidad, tranquilidad o reposo.
Una línea vertical puede sugerir:
fuerza, altura o estabilidad.
Una línea diagonal puede transmitir:
movimiento, tensión o dinamismo.
Una línea curva puede asociarse con:
fluidez, suavidad u organicidad.
La forma
La forma es una superficie delimitada visualmente.
Puede clasificarse en:
Formas geométricas
- Círculo.
- Cuadrado.
- Triángulo.
- Rectángulo.
- Polígono.
Formas orgánicas
Son irregulares y se encuentran frecuentemente en la naturaleza.
Por ejemplo:
- Hojas.
- Piedras.
- Nubes.
- Plantas.
- Animales.
- El cuerpo humano.
Ejemplo
Un personaje puede construirse inicialmente mediante formas geométricas:
círculo → cabeza
rectángulos → torso
cilindros → brazos y piernas
Posteriormente estas estructuras pueden transformarse en formas orgánicas más complejas.
Figura y fondo
Uno de los conceptos fundamentales de la percepción visual es la relación entre figura y fondo.
La figura es aquello que percibimos como elemento principal, mientras que el fondo corresponde al espacio que la rodea.
Un diseñador debe controlar esta relación para evitar que los elementos importantes se pierdan.
Por ejemplo, si una ilustración contiene un personaje oscuro sobre un fondo también oscuro, existe poco contraste y la figura puede desaparecer visualmente.
En cambio:
figura oscura + fondo claro = mayor contraste
Esto puede utilizarse intencionalmente para crear jerarquía.
El color
El color es uno de los recursos más importantes de la ilustración.
No solamente sirve para hacer que una imagen sea atractiva. También puede:
- Comunicar emociones.
- Crear jerarquía.
- Diferenciar elementos.
- Identificar marcas.
- Generar profundidad.
- Crear ambientes.
- Dirigir la atención.
Propiedades del color
Matiz
Es lo que normalmente identificamos como el color:
- Rojo.
- Azul.
- Verde.
- Amarillo.
Saturación
Indica la intensidad del color.
Un rojo muy saturado será intenso, mientras que un rojo poco saturado tendrá una apariencia más grisácea.
Valor
Indica qué tan claro u oscuro es un color.
El valor es fundamental para generar volumen y profundidad.
Temperatura del color
Los colores pueden clasificarse de manera general como:
Cálidos
- Rojo.
- Naranja.
- Amarillo.
Pueden generar sensaciones de:
- Energía.
- Calidez.
- Pasión.
- Cercanía.
Fríos
- Azul.
- Verde.
- Violeta.
Pueden asociarse con:
- Tranquilidad.
- Distancia.
- Frialdad.
- Misterio.
Sin embargo, estas asociaciones dependen del contexto cultural y compositivo.
Textura
La textura permite representar cómo parece sentirse una superficie.
Puede ser:
- Lisa.
- Rugosa.
- Áspera.
- Suave.
- Metálica.
- Madera.
- Piedra.
- Vidrio.
- Tela.
La textura puede ser real o visual.
Una ilustración digital puede representar madera sin contener madera físicamente. El patrón de líneas, colores y sombras crea la ilusión visual.
Espacio
El espacio es el área que existe entre y alrededor de los elementos.
En diseño gráfico es común distinguir entre:
Espacio positivo
Es el ocupado por los elementos principales.
Espacio negativo
Es el espacio libre que rodea o separa los elementos.
El espacio negativo no debe entenderse como un espacio “vacío” o desperdiciado.
Puede ser una herramienta de comunicación.
Un ejemplo clásico consiste en utilizar el espacio alrededor de una figura para crear una segunda figura oculta.
Tamaño y escala
El tamaño permite establecer relaciones jerárquicas.
Si tenemos tres elementos:
●
●●●
●●●●●●●El elemento más grande puede percibirse como más importante o cercano.
En ilustración, modificar el tamaño puede alterar completamente la narrativa.
Por ejemplo, un niño pequeño frente a un edificio gigantesco puede transmitir una sensación de:
- Vulnerabilidad.
- Asombro.
- Poder.
- Soledad.
Proporción
La proporción establece relaciones entre las dimensiones de los elementos.
Es especialmente importante en:
- Figura humana.
- Animales.
- Arquitectura.
- Objetos.
- Personajes.
Un personaje caricaturesco puede romper deliberadamente las proporciones reales.
Por ejemplo:
cabeza grande + cuerpo pequeño
puede generar una apariencia infantil o humorística.
Esto demuestra que la proporción no siempre tiene que ser realista; puede modificarse para conseguir una intención comunicativa.
Valor tonal
El valor corresponde a la relación entre claros y oscuros.
Puede estudiarse incluso sin utilizar color.
Por ejemplo:
BLANCO
↓
GRIS CLARO
↓
GRIS MEDIO
↓
GRIS OSCURO
↓
NEGROUn buen control del valor permite representar:
- Volumen.
- Profundidad.
- Luz.
- Sombra.
- Materiales.
Por ello, un ejercicio fundamental en la materia consiste en realizar ilustraciones únicamente en escala de grises antes de trabajar con color.
Dirección
Los elementos visuales pueden generar direcciones dentro de una composición.
Las diagonales suelen producir dinamismo.
Las verticales pueden producir estabilidad.
Las horizontales pueden generar calma.
Las curvas pueden conducir el ojo.
Por ejemplo, en una ilustración de un automóvil, una línea diagonal detrás del vehículo puede reforzar la sensación de velocidad.
Integración de los elementos visuales
Uno de los objetivos fundamentales de la materia no es aprender cada elemento de forma aislada, sino comprender cómo funcionan en conjunto.
Consideremos la ilustración de un cartel para una película de terror.
El diseñador podría utilizar:
- Color: predominio de tonos oscuros.
- Línea: formas irregulares.
- Textura: superficies deterioradas.
- Espacio: grandes áreas vacías.
- Escala: personaje pequeño frente a un elemento gigantesco.
- Contraste: figura clara sobre fondo oscuro.
- Dirección: diagonales para generar tensión.
El resultado sería mucho más efectivo que simplemente colocar un dibujo sobre un fondo.
Ejemplo integral para la materia
Proyecto: “Un objeto, tres interpretaciones”
Una actividad introductoria puede consistir en seleccionar un objeto cotidiano, por ejemplo:
una taza de café.
El estudiante debe representarla mediante tres técnicas diferentes.
Propuesta 1: grafito
Objetivo:
Trabajar:
- Línea.
- Volumen.
- Luz.
- Sombra.
- Proporción.
Propuesta 2: tinta
Objetivo:
Trabajar:
- Contorno.
- Contraste.
- Textura.
- Grosor de línea.
Propuesta 3: ilustración digital
Objetivo:
Trabajar:
- Color.
- Forma.
- Composición.
- Textura digital.
De esta manera, el estudiante comprende que el mismo concepto puede comunicarse mediante diferentes lenguajes visuales.
Ejemplo aplicado al diseño gráfico
Supongamos que una cafetería solicita una ilustración para su nueva identidad.
El diseñador podría comenzar con un boceto tradicional:
idea → boceto → exploración de formas → definición del estilo → digitalización → color → composición → aplicación
Posteriormente, la ilustración podría utilizarse en:
- Menú.
- Cartel.
- Empaque.
- Redes sociales.
- Página web.
- Vasos.
- Etiquetas.
- Playeras.
8
Este ejemplo permite comprender una idea esencial de la asignatura:
La ilustración para diseño gráfico no termina necesariamente en el dibujo; la imagen debe ser capaz de integrarse en un sistema de comunicación visual.
Actividad práctica de la unidad
Ejercicio 1. Exploración de materiales
El estudiante deberá realizar una composición utilizando al menos:
- Lápiz.
- Lápiz de color.
- Tinta.
- Marcador.
- Acuarela.
Objetivo: identificar las características expresivas de cada material.
Ejercicio 2. Biblioteca de trazos
Crear una lámina con:
- 20 tipos de líneas.
- 10 tipos de texturas.
- 10 variaciones de presión.
- 10 patrones.
- 5 degradaciones tonales.
Objetivo: desarrollar control manual y sensibilidad gráfica.
Ejercicio 3. Interpretación de una forma
Seleccionar una figura sencilla, por ejemplo un círculo, y convertirla en diferentes objetos:
círculo → planeta → pelota → rostro → fruta → ojo → reloj
El objetivo es comprender cómo una forma básica puede transformarse mediante diferentes elementos visuales.
Ejercicio 4. Figura y fondo
Crear una composición donde el estudiante utilice exclusivamente:
- Blanco.
- Negro.
Debe conseguir que exista una figura principal claramente identificable.
Posteriormente deberá crear una segunda versión donde figura y fondo puedan intercambiarse visualmente.
Ejercicio 5. Una misma ilustración, tres formatos
Crear una ilustración y adaptarla a:
- Formato vertical.
- Formato horizontal.
- Formato cuadrado.
El estudiante deberá modificar la composición sin simplemente recortar la imagen.
Objetivo: comprender la relación entre formato, composición y comunicación.
Proyecto integrador
“Mi objeto ilustrado”
Cada estudiante seleccionará un objeto cotidiano y desarrollará una ilustración desde el proceso inicial hasta una propuesta final.
Etapa 1 — Investigación
Seleccionar el objeto y analizar:
- Forma.
- Función.
- Textura.
- Material.
- Historia.
- Posibles significados.
Etapa 2 — Bocetaje
Realizar mínimo 10 bocetos explorando diferentes posibilidades.
Etapa 3 — Experimentación
Realizar tres versiones utilizando diferentes instrumentos o técnicas.
Etapa 4 — Selección
Seleccionar la propuesta que tenga mayor potencial comunicativo.
Etapa 5 — Desarrollo
Definir:
- Formato.
- Sustrato.
- Técnica.
- Color.
- Textura.
- Composición.
Etapa 6 — Aplicación
La ilustración deberá aplicarse a una pieza de diseño gráfico, por ejemplo:
- Cartel.
- Portada.
- Post para redes sociales.
- Empaque.
- Etiqueta.
- Revista.
- Playera.
Etapa 7 — Presentación
El estudiante deberá presentar:
- Bocetos.
- Pruebas.
- Experimentación.
- Ilustración final.
- Aplicación gráfica.
